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每一个中国人，都会在不同的境遇里与苏轼相遇。他是宋词最高成就的代表之一，是杰出的文学家，其书画理论与实践对中国书画发展有着难以估量的意义与影响。
南京博物院的“无尽藏——苏轼的书画艺术精神”展览（下文简称：“无尽藏展”）有别于目前国内其他与苏轼相关的“主题文物展”，是一个专题书画特展，展览以苏轼的书画艺术精神与创作实践为主旨，梳理其对后世中国书画发展的深远影响，旨在以此为主线串联起中国书画从宋代一直到清末的名家名作。主标题“无尽藏”选自苏轼的名篇《赤壁赋》：“惟江上之清风，与山间之明月，耳得之而为声，目遇之而成色，取之无禁，用之不竭，是造物者之无尽藏也，而吾与子之所共适。”展览借此为题，将苏轼的书画艺术精神喻为后世艺术创作者无穷无尽的宝藏。
苏轼是中国文人画理论的奠基人，他创造了极富典型风格的中国画。宋代之后，几乎没有任何一种画论超过苏轼画论的影响，没有任何一种画论能像苏轼画论一样深入人心、具有强大的统摄力与影响力。从书法成就上来说，苏轼开创了具有自由意象和个性化的“尚意书风”，增强了书法的艺术性、观赏性和表现力，从而引导中国书法走向更加丰富的情感表达和个性化的彰显。
展览中有一幅苏轼的《潇湘竹石图》，图中绘一片土坡，两块卧石，几丛疏竹，左右烟水云树，一派潇湘之地的苍茫景色。图中景物在作者的个性与情感支配下，潇洒灵动，充满张力，看似信手拈来，风轻云淡，却是狮象搏兔，皆用全力，还能不着痕迹，自然天成。竹子坚韧，曲而不折，有君子之风；岩石则坚贞不移，历久长存。苏轼将立意、内容、题材与笔墨充分发挥并高度融合，把活泼的生命精神与人生境界体现在对潇湘竹石的描绘之上。
苏轼没有专门的书画论著，其艺术思想散见于诗文中。他曾写道：“文以达吾心，画以适吾意。”达心适意，强调了绘画是人的精神的载体，其目的是寄兴遣怀，画家在表现自然万物时要与主体精神相契合，要把自我真实独特的生命感受融入其间。苏轼此论对后世中国画发展起到重要作用，极大地释放了画家的主观能动性，奠定了中国“士人画”的基础。故此，展览将表达隐逸情怀的作品（如宋代李唐的《濠梁秋水图》、元代黄公望的《富春大岭图》），表现个人生存状态的作品（如明代文徵明的《中庭步月图》、清代髡残的《苍翠凌天图》），借物喻己的作品（如元代李衎的《修篁树石图》、元末明初倪瓒的《苔痕树影图》）等纳入这个篇章中。
写形传神，要讨论的则是中国画的“形”与“神”的关系问题。“论画以形似，见与儿童邻”，苏轼的形神观强调形神兼备，他要求画家应该通过全方位掌握事物的“常形”，从而表现事物内在的规律性与真实性，即“常理”，唯有这样才能满足写形传神的原则。明代曾鲸的《王时敏像》、清代华喦的《自画像图》等人物写真作品，所绘人物细致生动，丝丝入扣，人物个性形象鲜明，表情生动，完美诠释了何为“形神兼备”。
“诗画本一律，天工与清新。”苏轼的“诗画一律”观，要求中国画蕴含诗的情致和境界，表现“画外之意”。此论支撑起了中国文人画的理论架构，成为中国古代文艺思想中的一个重要命题。此次展览中的作品，如宋代佚名的《江天楼阁图》、元代盛懋的《沧江横笛图》、明代沈周的《落花诗意图》等，都是文人画的典型代表，令观众从中感受到情景交融、诗画合一的意境抒写。
苏轼书法的尚意，并不意味着放弃法度，而是对“法”的活用与改造，向“法”中注入新意，旨在表现自我的意趣、情感和个性，所以是“法中尚意”。此次展览特意从故宫博物院借来苏轼的《治平帖》，此帖字里行间洋溢着一股超脱世俗的宁静与雅致，尽显心境之平和与笔墨间灵动飘逸之美。苏轼曾言：“我书意造本无法，点画信手烦推求。”此中的“无法”，实则是强调在书法创作中，意境的营造与情感的抒发高于一切成法，而“烦推求”则是以一种轻松自如、不拘一格的态度，展现其书法艺术的自然流畅与随心所欲。
此次展览中的书法作品，如宋代赵昚的《书苏轼〈后赤壁赋〉》、明代张弼的《元宵有怀南安旧治》、吴宽的《廷试东阁阅卷诗》、祝允明的《草书唐宋词卷》等，都体现了“法中尚意”的艺术思想对后世书坛的巨大影响。
“无尽藏展”酝酿了三年时间，最终确定以南京博物院的书画藏品为主，向故宫博物院、中国美术馆、上海博物馆、天津博物馆、辽宁省博物馆、无锡博物院和镇江博物馆借展，共展出书画作品150余件（套），其中一级品数量超过80件（套），宋元时期的书画作品有31件（套）。策展团队撰写了十余万字的详细文字说明,为众多书画爱好者了解作品的价值及其背后的故事提供了帮助。
让我们在笔墨的流转间，感受跨越千年的共鸣与回响，体会深藏于艺术之中的人文情怀，实现心灵与艺术的完美交融。
（作者：庞鸥，系江苏省文化艺术研究院副院长、“无尽藏——苏轼的书画艺术精神”策展人）
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